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Actividad desarrollada con una subvención del Gobierno de Canarias.

La industria cultural en la era de Internet y nuevos lugares de encuentro.

La tercera jornada del taller comenzó con la intervención de Daniel Barreto, ensayista y filósofo que comentó estar más cerca de la insurgencia que de la emergencia. Analizó el concepto de industria cultural, que se suele tomar como algo positivo aunque Adorno, creador del término, lo hizo con un sentido crítico porque la industria convertía tendencialmente la obra de arte en una mercancía, ya que antes de ella la obra no estaba traducida a una relación instrumental. La industria significa una pérdida de ese espacio de relativa libertad. Los productos culturales se van estandarizando. Hay productos culturales que se consumen porque logran que se cree “la ilusión de pertenecer a algo”. No obstante, no toda la industria cultural debe ser rechazada en bloque porque existen resistencias y cabe la posibilidad de apropiarse de ella para darle originalidad. No hay nada fuera de la industria cultural pero puede haber formas de reapropiación de los recursos en un sentido distinto a la línea general. Se preguntó cómo se ha transformado la industria cultural con la aparición de las nuevas tecnologías. En este sentido, Internet permite la interacción pero coacciona la emisión, dificulta la función de pertenencia. El teléfono móvil, que es para transmitir contenidos, en realidad se transmite a sí mismo: el mensaje es el medio.

Daniel Barreto

Bejo, de 26 años, es músico a pesar de no saber tocar un instrumento y de tener poca intención de dedicarse a la música. También pinta. Explicó su trayectoria y aseguró que ahora no hace falta una infraestructura complicada para dedicarse a la música. Antes la industria estaba más centralizada y ahora la tecnología permite hacer muchas cosas, como en el Renacimiento, con herramientas de creación y comunicación. “Todo lo hago con lo que tengo a mano: un micro, una tarjeta de sonido, un ordenador…” Ha aprendido “haciendo” e investigando con tutoriales de youtube, sin pretensión y sin presupuesto, buscando una alternativa y diferenciándose en el rap con su música y sus videoclips, dando un toque de humor y cercanía. Enseñó su logotipo, que es como un pene dibujado por un niño, y su primer trabajo, integrado precisamente en un pen drive, „un pene-drive“.

Bejo

Amaury Santana, profesor y cineasta, comenzó hablando de la precariedad en la cultura digital. “¿En qué lugar nos encontramos como creadores?, ¿tenemos la posibilidad de crear un trabajo que nos proyecte al futuro, o uno para vivir?” Manifestó que partimos de una paradoja: hay una gran cantidad de oferta y es una época dorada para la creación audiovisual, pero no hay capacidad de hacer visible toda esa oferta. La irrupción de plataformas surge como esperanza para una ofrecer una gama de contenidos, pero han acabado dominados por el mercado de nichos, desde la estandarización. Se acaba produciendo determinado el contenido por los datos de tendencias, por el algoritmo. Hay nuevos espacios pero no hay mayor diversidad cultural y se va diluyendo la mirada del autor ya que el espectador manda cada vez más. La parte de marketing relega a la creación. ¿Qué hacer? ¿Vivir por completo del mercado o alejarse de él? En el segundo caso, el peligro de la precariedad es evidente. Santana apuesta por plantear nuevos espacios de encuentro. “Podemos encontrar nuevas formas de crear que dialoguen con ese mercado y con una mirada propia, porque a todos no nos sirve la misma fórmula”. “Estas jornadas son un buen punto de partida”, señaló.

Amaury Santana

Ero Pinku, ilustradora y mangaka, explicó que ni en Canarias ni en España hay mercado para el manga. “Nada de lo que creo lo vendo para España”. En España el cómic no se ve de forma profesional. Ganó un concurso en Japón junto con su mejor amiga, que vive en Argentina y a la que nunca había visto y a la que conoció en Tokio. Dijo que salir de Canarias es bueno para romper los límites y que gracias a Internet los límites los pone cada uno. “Los límites deben existir para romperlos”. Considera que en ese sector hay que producir mucho y ser muy rápido trabajando y asegura que las redes sociales son aliadas para conocer datos y estadísticas sobre los gustos. “Hay estructuras, y si quieres las rompes o las aceptas, esto es solo entretenimiento y no está mal saber qué es lo que vende y hacerlo”. Habló del producto “recalentado” en Internet, que son contenidos donde se comentan lo que crea otra persona y que incluso pueden llegar a relegar al creador: “Hay gente que prefiere ver cómo se juega, a jugar”. Considera que los artistas siempre se han vendido, de alguna forma, pero las redes hacen que se vendan de otra manera. “Quieres venderte, pero que eso no te limite”.

Ero Pinku

En cada jornada, los cuatro ponentes abordaron en un coloquio algunos de los asuntos tratados durante las ponencias, y otros como la importancia del asociacionismo, la razón de crear, los lugares públicos, lo institucional, las redes sociales, la tecnología, la colectivización, el cambio climático, la precariedad, la industria, el mercado, la desesperanza, el capitalismo o el sistema.

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Más información Jornadas Creadores en emergencia

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Actividad desarrollada con una subvención del Gobierno de Canarias.

Creadores en emergencia: autores canarios no sujetos a la inercia de su obra

El director de la Fundación César Manrique, Fernando Gómez Aguilera, abrió el curso Creadores en emergencia. Las generaciones recientes de Canarias ante la incertidumbre, que pretende aportar una  mirada transdisciplinar en creadores en construcción, “aún no sujetos a la inercia de su obra”. Habló del contexto en el que se desenvuelven los creadores hoy dentro de un cambio de ciclo histórico, una crisis civilizatoria y procesos globales desestabilizadores “y esto obliga a pensar en términos de transición hacia nuevos paradigmas”. En esta época aparece de forma permanente la idea de paradoja, que somete a crisis cualquier posición ontológica sobre la realidad, en donde existe un conflicto permanente con la verdad, espacios inestables. En este contexto de desplome de jerarquías, donde domina lo instantáneo y obsolescente, es más difícil leer el mundo. “Hablamos mucho y escuchamos poco”. Invitó, por tanto, a escuchar  la experiencia de los artistas participantes. Mariano de Santa Ana, director del seminario, explicó brevemente los criterios seguidos para plantear el curso y destacó la dificultad de no caer en el paternalismo así como el componente utópico de la juventud para llevar a cabo proyectos o la incertidumbre de este tiempo.

Mariano de Santa Ana y Fernando Gómez Aguilera

Daniel Jordán fue el primero en exponer su experiencia como artista partiendo de lo particular para llegar a lo universal. Puso de manifiesto sus influencias y su trayectoria. Comenzó reflejando a su entorno más cercano, pintando del natural, con la influencia de pintores como Bacon, Giacometti o Lucian Freud. Posteriormente, durante un tiempo su obra se centró en el mundo del arte, enmarcada en The fool show, viendo el arte como una gran fiesta. “El mundo del arte me estimula pero me sobrepasa”, señaló. Se identificó con la figura del resentido de Nietzsche y en su obra se dedicó a intentar alejar la sombra de ese resentimiento. Jordán considera que “siempre tenemos margen para completar la realidad con nuestro punto de vista”. Mostró sus influencias del cine, de películas como Paterson, La gran belleza o Birdman y expuso una crítica de Alba González sobre su exposición Fazer horas, que le fue muy útil. “Aún sigo buscando mi voz –comentó–, probar sin puedo ser más sutil a la hora de reflejar la realidad”.

Daniel Jordán

Lena Peñate Spicer, artista visual, dijo que los cuerpos en emergencia son los cuerpos de imagen. Se preguntó cómo escribimos nuestro presente desde las imágenes y cómo abordar la imagen en nuestro tiempo. “No estamos ante las imágenes, sino entre las imágenes”, aseguró. También cuestionó las características de una buena imagen, el papel del espectador o cuál es la imagen de potencia que corresponde a nuestro tiempo. También planteó cuál es la cuestión crítica de las imágenes dentro del espacio museístico y que, a pesar del exceso de imágenes, “nos faltan imágenes”.

Lena Peñate Spicer

Cristina Maya intervino en vídeo, desde su casa, convaleciente de una operación quirúrgica. Hizo una reflexión en torno a su participación en el seminario. Habló del exceso de conferencias en Canarias, que es una de las comunidades con más eventos culturales y consideró que quizás son un nicho rentable para el arte contemporáneo. “Ya he dado doce conferencias que engordan mi ego y mi cuenta corriente”. Se preguntó si no sería una alternativa “empezar a callar”. Citó varias realidades que confirmarían la situación de emergencia. Afirmó que en Lanzarote están entrenados en la acumulación y que “como Jerusalén ha capitalizado la religión, Lanzarote lo ha hecho con la naturaleza”, después de que César ofreciera un producto empresarial al que aplicó una pátina de arte. Señaló que César Manrique, “el mesías conejero”, “vivió en y de la emergencia” y lo puso como modelo de creador en emergencia, para después citar a varios jóvenes creadores de Canarias. “En tiempos modernos, cuando se trata de escucharse a una misma, nunca es suficiente”, finalizó.

Cristina Maya León

Alba González, crítica de arte, convirtió su intervención en una performance boxística. Se colocó un protector bucal para comparar la crítica como la práctica del sparring, un intercambio de golpes que puede tener factores negativos pero también positivos si se hace con el objetivo de la mejora. La mala crítica, como la pornografía, no es una simulación, realmente ocurre, pero lo hace dentro de un marco de control y por ello tiene esa sensación de falsedad. Para González, “un buen sparring es incómodo y una buena crítica también”. La actitud de sparring debe ser tan ligera como para permitir que el artista produzca sin pudor, “pero suficientemente en serio como para ser conscientes de que nuestros errores son peligros reales”. “Si todos estamos cómodos con la situación, no nos estamos poniendo en crisis”. Afirmó que todo crítico debe ser incómodo pero se preguntó si todo lo incómodo es crítico”.

Alba González

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